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viernes, 11 de septiembre de 2020

Pero María guardaba todas estas cosas, meditándolas en su corazón. (Lucas, 2:19)

El objetivo de la entrada de hoy no es hacer proselitismo, sino, como madre que soy, hacer una reflexión, ofrecer un punto de vista diferente a la hora de observar la arquitectura creada para homenajear uno de los más importantes personajes de una de las tres grandes religiones del mundo: María, madre de Jesucristo, en acuerdo con tradición de la iglesia Católica Apostólica Romana. 


Ser madre no es una tarea fácil, principalmente cuando tu hijo es varón. Preparamos nuestros hijos para el mundo, sea hombre o mujer, pero los hijos varones empiezan más temprano a salir de nuestro regazo materno de lo que parece que estamos preparadas para soportar.

Jesús con los doctores de la Ley. Autor anónimo, siglo XVII, oleo sobre cobre.

En acuerdo con la historia bíblica, cuando Jesús tenía tan solo 12 años, en cierta ocasión se había desagarrado de sus padres para buscar el conocimiento junto a los doctores y ancianos (Lucas 2:51). Me lo imagino el agobio sentido por sus padres, pero especialmente por su madre María.


María guardaba en su corazón todos los hechos (Lucas 2:19), las profecías que decían sobre su hijo e incluso los pensamientos que le venían a la mente al contemplar tanto movimiento alrededor de él, y sobre todo guardaba en su pecho los presentimientos que toda madre tiene a respecto de sus criaturas.


En la tradición católica María tiene poder de interceder junto a Dios por los vivientes y por los que ya se fueron, y eso impulsó, entre otros motivos, a la construcción de muchos templos con la finalidad de adorarla.

La tradición de rendir homenaje y prestar culto a los dioses es tan antigua cuanto la especie humana, y el periodo desde los templos griegos hasta los avances de la ingeniería romana que permitieron erigir edificios cada vez más verticales marcaron nuestro tiempo. Desde entonces, la construcción de iglesias en homenaje a la madre de Jesucristo llegó a altos niveles de creatividad por todo los países por donde el cristianismo prevaleció. Y en España los templos que recibieron los nombres de “madre de Dios”, “mare de Déu”, “nuestra Señora”, “purísimo corazón de María” y tantas otras denominaciones distintas en homenaje a María se encuentran en todos los estilos arquitectónicos distribuidos por nuestro hermoso territorio español. 

Iglesia románica de Sant Pol de San Joan de les Abadesses, Girona, Cataluña.

Cuando visito a una obra arquitectónica no veo solamente a un edificio y sus piedras. Veo a su alma, el alma de su arquitecto y de sus constructores, veo la esperanza de un pueblo y otras tantas veces la codicia del hombre, claro.


Con relación a las iglesias en homenaje a María, todas proyectadas por hombres (sí, aquellos varones que temprano dejaron el regazo de sus madres), suelo contemplarlas con cuidado buscando indicios de lo cuanto de consciencia a respecto del sentimiento materno tenían sus proyectistas. ¿Dónde estará el detalle que demuestra que aquel hijo, ahora arquitecto o constructor comprendió aunque sea un 10% del sentimiento materno?  Me sorprenden las innovaciones, los materiales, la decoración, los vitrales, las esculturas, los artesonados, las proporciones y tantos otros elementos visuales riquísimos. Todavía no fui sorprendida por algún detalle que pudiera demostrar algo más profundo del corazón materno.

 
El Pla de Santa María, Cataluña.

Seguro que muchas madres estarán en acuerdo conmigo y otras tantas no, pero, para mí, la iglesia que mejor refleja el alma de una madre como María, es una iglesia sencilla, pequeñita, sin excesos, sin lujo, no muy alta. Pero al mismo tiempo una iglesia robusta, fuerte y sólida. Creo que describo a una iglesia románica…


No veo el carácter más íntimo de la madre fue María en iglesias como María del Mar en Barcelona, ni siquiera en Mare de Déu de Jujol en Montferri, tampoco en la iglesia del Monasterio de Santa Maria de Poblet, a pesar de que las adoro y las veo maravillosas. Son creaciones del ingenio humano, de varones, pero no de hijos que hayan comprendido el corazón de una madre (¿y será posible que cualquier uno lo comprenda?).

Iglesia de San Vicen de Torrello.

La madre del hijo varón sufre en silencio, porque no puede dar a entender a aquel que un día fue su bebé cualquier mensaje que no sea la creencia en su fuerza masculina. Está en el destino del hijo alejarse de su madre, y en el de su madre lo de observarle desde lejos, así como estaba en el destino de las iglesias románicas el recogimiento, el aislamiento, la soledad.


Su hijo sabrá que su madre siempre estará ahí; pero como un hereje que difícilmente vuelve a la iglesia, volverá a buscarla solo en situaciones muy concretas…entre ellas, la última: el día de su muerte.

Guimerà.



sábado, 7 de marzo de 2020


Seguramente ya hayas visto un mueble con aspecto de otro que hayas visto antes. O un objeto que tenía colores o líneas que te hicieron recordar a un otro objeto de otro lugar que no te recuerdas de donde era. Y en cuanto a las pinturas, ya te preguntaste por que un mismo tema puede ser representado de formas tan distintas a lo largo de los siglos, cómo una escena llamativa de un mártir cristiano que siglos hace fue representada con 20 flechas clavadas en su pecho y 400 años después es representado con solamente una , ¿y muy encubiertamente?
El historiador Fritz Saxl nos explica todo eso. Y su estudio nos ayuda a entender los movimientos estéticos que nacen, mueren y pueden revivir tiempos después con un nuevo aspecto, pero que aún se permite percibir rasgos de su punto de origen.A partir del estudio de la obra iconográfica del Martirio de San Sebastián, hago una exposición sobre la evolución iconográfica de esa obra, a la luz de los estudios de Fritz Saxl. Este trabajo fue presentado para la asignatura de "Iconografía", del grado de Historia del Arte de la UNED; en la cual soy una de las académicas y en cuyo trabajo obtuve una nota de 9,80 (unos pequeños errores gramaticales, ahora ya solucionados, creo...).


San Sebastián (siglo III d.C.) era proveniente de familia noble, de Galia, y antes de ser considerado un santo por la iglesia católica en la Edad Media, fue un oficial de la guardia del emperador Dioclesiano, y gozaba de mucho prestigio y confianza. Era cristiano y por haber predicado a otros oficiales que se convirtieron a la fe, desagradó al emperador que mandó que le martirizasen. Le ataron a un árbol y le asaetaron. A pesar de ella, no fue eso el motivo de su muerte, como consta en la Leyenda Dorada, refiriéndose a los verdugos del mártir: "después de lo asaetearon, lo dejaron allí y se marcharon". Fue rescatado por mujeres piadosas, y tras recuperarse volvió a hablar con el emperador sobre la persecución a los cristianos. El emperador se enfureció y ordenó que le matasen a garrotazos y arrojasen en la cloaca máxima de Roma.

En las fuentes principales que son las Actas Martiriales, la Leyenda Dorada y pasajes bíblicos se encuentran elementos importantes que sirvieron de fuente de consulta para los artistas en distintos momentos. En la Biblia se encuentran innúmeros pasajes que hablan de las flechas como señal de fuerza, protección, venganza o victoria de Dios (Salmos 127:4; Salmos 45:5; Salmos 38:2; I Samuel 20:36; 2 Reis 13:18; I Samuel 20:20; Lamentaciones 3:12; etc.). También en la Ilíada, la epopeya griega describe a Apolo disparando flechas infectadas con la peste sobre el campamento griego durante la Guerra de Troya.
Figura 1: San Sebastián, Guido Reni, 1617-1619, óleo sobre lienzo, 170 x133 cm, Museo Nacional del Prado.
En la mitología griega, el dios Apolo era considerado el dios de la belleza. Además, era el dios de los atletas, pues instaló los Juego Píticos, lo que resalta sus buenos atributos físicos atléticos. En el mito griego, al menos en dos ocasiones aparece usando el arco y la flecha para realizar hazañas importantes: cuando mató a la serpiente Píton, tras ser engañado por una ninfa, y cuando mató a Ticio a flechazos por haber abusado de su madre. Era el dios flechador por excelencia.

En al menos dos importantes momentos del mito el árbol figura en su historia. El primero al vengarse de Marsias cuando éste retó a Apolo acerca de sus dotes musicales. Saliendo vencedor, Apolo aplicó el castigo a Marsias desollándolo vivo y colgándolo de un árbol para que pereciera. El segundo se refiere a Dafne, ninfa de quien Apolo se enamoró, pero quien fue impedida por su padre a relacionarse con el dios, y que por ese motivo fue transformada por su progenitor en un árbol de laurel.

Entre sus relaciones amorosas desafortunadas, Apolo se enamoró de Jacinto, que fue víctima de la venganza del dios-viento Bóreas, que le mató durante unas prácticas de lanzamiento de disco en el cual Jacinto fue golpeado por el disco desviado de su trayectoria por Bóreas, y murió.

Para la fe cristiana, San Sebastián es el simbol de la resistencia, pues fue gravemente herido y no murió. El cuerpo glorioso es el cuerpo que el alma viste después de la resurrección y del juicio final. Es motivo porque el mártir aparece casi siempre representado en el momento de su primer martirio, del cual salió vivo. El devoto que mira a los cuadros en que su sufrimiento es explícito se identifica y cree que, a él, el devoto, también le podrán pasar cosas terribles, pero saldrá victorioso. También es considerado el santo protector contra la peste (recordando a Ilíada). La tradición atribuye a su intercesión el fin de la peste que devastó Roma en el año 680. Y parece que fue a partir de entonces que San Sebastián fue considerado abogado contra la peste y otras enfermedades infecciosas. Es el tercero patrono de Roma, después de Pedro y Pablo.

El tipo fue ampliamente representado y pasó por muchos cambios a lo largo de los siglos. En las distintas representaciones a lo largo del tiempo, se percibe la diferencia entre quien no buscó la belleza plástica, sino el misticismo, de acuerdo con la época.

En la Edad Media se valora el hecho de San Sebastián no haber renunciado a su fe a pesar de todo martirio sufrido, y el milagro de que su cuerpo resistió a todas las heridas causadas por los flechazos. Las representaciones valoran la expresión facial del santo en actitud de resignación, mirando al cielo que se abre a la belleza eterna de la divinidad que le acoge en el martirio.

Como se puede observar en la figura 2, San Sebastián aparece con su cuerpo cubierto de flechas, y cercado por sus verdugos. En esa obra se puede observar los escritos de Jacobus de Voragine, en la Leyenda Dorada, que dice que "se convierte en un erizo por la cantidad de flechas". Fue la primera concepción siguiendo muy de cerca ese texto. No importan los atributos de belleza física, sino el sufrimiento y resistencia del mártir.

Igualmente, en las figuras 3 y 4, San Sebastián es representado con los mismos ideales estéticos, sin ninguna connotación erótica o de valorización de su belleza física.

Figura 2:  El martirio de San Sebastián y escenas de su vida, Giovani del Biondo, 1370, tríptico, óleo sobre tabla, Museo dell'Opera del Duomo, Florencia.
Figura 3: Martírio de San Sebastián, Anónimo, segunda mitade del siglo XV, temple sobre tabla, 86 x 60 cm, Museo Nacional del Prado.
Figura 4: El martirio de San Sebastián, Antonio del Pollaiuolo and Piero del Pollaiuolo, 1475, óleo sobre madera, 291,5 x 202,6 cm,  The National Gallery, Londres.
La mitad del siglo XV es el gran cambio. La Edad de Oro de San Sebastián se encuentra entre la segunda mitad de lo siglo XV hasta el XVI, con el Renacimiento. Como dijo la investigadora Maria Condor en su conferencia "San Sebastián, el Apolo cristiano", en la iconología el santo "pasa de lo sacro al profano; San Sebastián se rejuvenece, se desnuda, se convierte en escultura sin dejar de ser pintura, se hace pagano, seductor, homoerótico, sin dejar de ser santo. Se convierte en paradigma de belleza sin dejar de ser objeto de culto". 

El interés de los artistas renacentistas por los ideales clásicos despierta una búsqueda intensa por obtener la plasmación de una belleza ideal, una belleza antigua. Se rescatan elementos significativos del mito griego, además de las características típicas del arte clásico, tales como el cuerpo atlético de perfectas formas y proporciones, los elementos constructivos de la arquitectura clásica presentes en la escena de fondo o enmarcando el santo (pero a menudo en situación de ruina, plasmando la idea de la ruina como presentación de la superación del mundo clásico por el cristianismo), la perspectiva muy valorada, las características faciales típicas de la escultura clásica. 

Otro aspecto fue el rescate de las características de la personalidad del personaje mítico, y en el caso de San Sebastián, el Apolo que siempre ha tentado a las mujeres y a los hombres, haciendo surgir la figura andrógina y altamente sensualizada. El cuerpo desnudo que antes se quedaba en segundo plan en relación con toda la carga de sufrimiento imputado en el martirio, ahora asume el protagonismo. El desnudo era para el artista del Renacimiento su manera de lucirse, de exponer su habilidad y su conocimiento de la escultura antigua. Lo que han aprendido pintando Apolos y Venus, lo han aplicado en ese ejercicio de pintar los santos, por ejemplo, en la figura 5.

Figura 5: El martiro de San Sebastián, Guido Reni, 1615, óleo sobre lienzo, 129 x 98 cm, Capitoline Museums, Italia.
A través del ejemplo del tema del Martírio de San Sebastián se puede percibir con mucha claridad lo que expuso Saxl en su concepto de "continuidad y variación". El ciclo vital de un tipo. Desde el tipo que representa la resistencia de la fe cristiana, pasando por mutaciones en que el aspecto místico, a pesar de presente, da lugar al carnal, hasta llegar al punto en que casi se pierde la referencia total del que significó el martirio, como se poderá percibir en la figura 6.

Figura 6: San Sebastián, Bronzino, 1533, óleo sobre tabla, 87 x 76,5 cm, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.
En los siglos XVIII y XIX hay la decadencia del tema, pues no hay más la peste. El mártir no es casi representado. Antes de eses siglos ya se presentaba un San Sebastián desprovido de todo carácter místico. Citando más una vez a María Condor, "de mártir no tiene casi nada. Es un icono homoerótico, aparece cada vez más joven, sin verdugos, laico, cada vez menos flechas y menos heridas. No tiene nada más que una flecha. Todavía, la flecha justo en el corazón y en las manos da a entender que hay una ambigüedad entre las flechas del martirio y las flechas del amor, convirtiéndose casi en cupido (pues, incluso hay iconografía de cupidos atados en un árbol y las mujeres echándoles flechas para vengarse)".

Si no fuera por la continuidad de veneración al santo por parte de la iglesia católica, podríamos considerar, en el ciclo vital de las imágenes de Saxl, ¿la muerte de una imagen?


Bibliografía:
FRANCO LLOPIS, B.; MOLINA, Á.; VIGARA ZAFRA, J. A.: Imágenes de la tradición clásica y cristiana. Una aproximación desde la iconografía. Madrid, Editorial Universitaria Ramón Areces, 2018.

Otras fuentes de consulta:
- Ciclo de conferencias del Museo del Prado. Conferéncia:" San Sebastián, el Apolo cristiano", impartida por María Condor el 13 de enero de 2018. - disponible en Youtube, en el canal del museo, en:  San Sebastián, el Apolo cristiano
- https://www.museodelprado.es/coleccion/
- https://museodiocesano.es/2012/01/19/20-de-enero-san-sebastian/

Origen de las imágenes:
https://www.museodelprado.es/coleccion/
https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/bronzino/san-sebastian
https://www.nationalgallery.org.uk/



jueves, 28 de noviembre de 2019

Hay grandes joyas urbanas dispersas por nuestro entorno, ocultas en rincones, o disfrazadas de casas comunes por todos os lados en Cataluña.

Por suerte, o por visión, tenemos un buen sistema de preservación del patrimonio histórico, el cual llevan a cabo los ayuntamientos después de que iniciativas privadas o asociaciones trajeron a luz su importancia. En el pueblo del Alcover hay más una de esas joyas...Qué placer pasar una tarde en el Museu d'Alcover!

El Museu d'Alcover fue fundado por el alcoverenc Andreu Barbarà Camafort el año 1967 en una antigua torre medieval del Portal de Sant Miquel. En el año 1975 se trasladó a la casa noble Ca Batistó, un edificio histórico del siglo XVII, que en su último uso particular uso albergó la familia Andreu que la construyó en 1682 sobre un edificio más antiguo del cual aún se puede ver tres arcos góticos en el vestíbulo.

Del período de transición del siglo XIX al XX, la casa ofrece al visitante una hermosa visión de cómo era la partición de la casa señorial burguesa, su decoración de interiores incluyendo sus muebles, objetos y accesorios, conocer sus costumbres y el ritmo de la vida de la gente de un pasado no muy lejano.

Además de la excelente preservación, el museo intenta ser lo más interactivo posible, usando recursos de video y de pasar pantallas en tótems de información disponibles en cada ambiente. Percibimos en Ca Batistó como la tecnología que fue impulsada a finales del siglo XIX transformó los hogares en espacios cada vez más confortables, y ayudó de cierta forma a transformar el papel de la mujer en la sociedad moderna.

El Museo también alberga importante colección de fósiles, y espacio educativo para niños y jóvenes. Pero quiero concentrarme en ese texto en la casa, las costumbres y la vida burguesa de principios del siglo XX en Cataluña, pues por la casa conocemos a sus dueños, ¿no es verdad?
Es en el segundo piso que todo empieza a tomar sentido. Cuando entras en el salón principal, que da salida a todas las demás habitaciones de la casa, percibes bien la organización de la vida y la visión estética de ese momento de abundancia de algunas familias.

Imagen 1: salón principal que da para otras estancias.
Imagen 2: salón principal que da para otras estancias.
El salón principal es ricamente adornado con pinturas que decoran todas las paredes. El techo posee precioso artesonado también pintado. Los colores son variados: rosa  en detalles, beige, y verde, pero no muy saturados, lo que hace con que el colorido sea más romántico y sofisticado que dinámico. También se añade el color azul marino, que convierte el ambiente en un poco más formal, más fuerte. Los diseños de las pinturas tienen una referencia clásica: griegas, flores y mucha simetría, pero también se percibe ya la influencia del estilo Art Déco en unos detalles  geométricos principalmente en las esquinas de los cuadros y la franja que rodea el techo. El mármol, piedra siempre noble, reviste el piso, la chimenea y algunos otros detalles. La idea tradicional de que todo el espacio debe estar revestido y bien acabado para representar la abundancia financiera, cobra sentido allí.

Imagen 3: detalles de las pinturas de las paredes.
Imagen 4: detalles de las pinturas del techo.
Una de las puertas da acceso a la alcoba. La típica alcoba burguesa, con su ante sala separada de estancia destinada a la cama por una pared delgada, con contorno en diseño curvilíneo clásico. En esa habitación, encontramos a objetos del vestuario de los antiguos dueños y otros de moda en su día, y se percibe el retrato de la indumentaria de la mujer que empezaba a liberarse en el principio del siglo XX bajo los ideales del Art Déco.

Un tótem con pantalla interactiva te invita a caminar con tus dedos y ojos un poco de la vida cotidiana de la mujer de aquellos tiempos.

Una gorra típica de la mujer moderna está expuesto al lado de un traje con pantalones, y un bello video simulando antigüedad exhibe en la pared de la alcoba el complicado y demorado ritual de vestirse de una dama (y puede ser visto en la web del museo).
Imagen 5: la alcoba.
Imagen 6: pantalla de tótem sobre la mujer moderna.
Imagen 7: pantalla de tótem sobre la mujer moderna.
Imagen 8: los típicos cuadros enmarcados, y la gorra de la mujer moderna.
Imagen 9: el traje de deporte de la mujer moderna.
Los muebles y los objetos de utilidad cotidiana siguen el diseño de la época: restos de la estética Art Nouveau o el ya incorporado estilo Art Déco que dominaba el principio del siglo. Pero en España, el referencial clásico aún era también muy fuerte en esa época, lo que se percibe en varios muebles por su diseño.

Imagen 10: objetos del cotidiano.
Imagen 11: objetos del cotidiano.
Mire el video de la cortina de la habitación. La clásica renda y la forma de atar: 

Es espacio de culto siempre fue importante para las familias católicas españolas. Fuera un simple oratorio, o toda una capilla dedicada a la Virgen y el Niño y más algunos Santos, tener devoción, desarrollar la espiritualidad era parte no solamente de confesión de fe, sino también de carácter —pues "ser cristiano" ya fue visto como señal de integridad.
Imagen 12: la capilla de la Ca Bastitó está ubicada en una de las habitaciones.
Los avances de la ingeniería se podía observar mejor en las áreas de servicio y higiene: la cocina y el baño.

En la cocina la novedad era la entonces llamada "cocina económica", que usaba un sistema de tuberías que calentaba el agua de la propia cocina y del baño a través de calderas para depósito del agua calentado por el sistema a gas, en vez de carbón, y eso suponía un gran ahorro de energía. Pero también habían las cocinas mixtas que utilizaban gas y carbón. 
Imagen 13: la cocina de Ca Bastitó.
Imagen 14: cartel de publicidad sobre las cocinas económicas, de 1924. (Fotografiado de la pantalla del tótem)
Otro aspecto muy importante era lo del sistema de saneamiento, que a principios del siglo XX prácticamente no había para los pueblos. En Ca Bastitó un nuevo sistema de desecho de las evacuaciones fue incorporado a la casa en los años de 1960. 

La decoración de los lavabos seguía la moda de época: la decoración con pintura esmalte en las piezas sanitarias y las paredes con revestimiento cerámico.
Imagen 15: lavabo de la Ca Bastitó y cartel publicitario de lavabos, duchas, baños y orinales
Imagen 16: lavabos y wáter en cerámica esmaltada ornamentada.

Figura 17: el entorno del museo.
La Ca Batistó ofrece una hermosa visión de la vida artística e intelectual de la época, cuando el movimiento modernista, tan importante en Cataluña cambió muchos patrones estéticos en las artes visuales, la arquitectura y la literatura. Una vuelta en el tiempo en que se empezaba a aprender a vivir con el nuevo ritmo que la tecnología imponía, pero aún con la calma y disfrute que aquellos tiempos aún permitían.
Imagen 18: fachada del museo y Ca Batistó.


















Fuente de las fotos e imágenes:
Todas las fotos (excepto la 9) - Maria Pilar Arantes, sacadas en el Museu d'Alcover.



sábado, 26 de octubre de 2019

Amediados del siglo XIX en Inglaterra, un grupo de artistas, arquitectos, diseñadores, escritores, artesanos y filántropos tenían en común su preocupación por la inminente pérdida de calidad y especialmente de personalidad a la que el diseño y la artesanía se vieron sometidos bajo la creciente y aterradora industrialización.

El objetivo de ese grupo de idealistas era el deseo de revivir y restaurar la dignidad de la artesanía tradicional y poner las artes a disposición de todas las personas, independientemente de su condición financiera.

En ese momento, el ideal de belleza pura y simple tenía como referencia la artesanía de la Edad Media, cuando todo, absolutamente todo, pasaba por las manos de los artesanos y tenía como materia prima elementos de la naturaleza. El hombre tenía una comunión total con los alrededores y el mundo natural, viviendo y sobreviviendo gracias a él. Desde la diversión hasta la comida, se trataba de algo que los rodeaba. El ritmo de vida era más lento, respetando los tiempos de la naturaleza y la capacidad de producción del artesano. Se sabia esperar.
Imagen 1: Arts & Crafts
William Morris (1834-96) fue el diseñador, pintor, poeta y reformador que dio voz al movimiento llamado Arts and Crafts, traducido del inglés, Artes y Oficios, la máxima expresión de este ideal, pues las Artes deberían ser rescatadas por la tradición de las artesanías medievales en aquel momento, dentro de una nueva sociedad, con nuevas costumbres, nuevas técnicas e inevitablemente nuevos materiales.

El movimiento dejó profundas huellas en el pensamiento de la época, elevó el estatus del artesano y alentó el respeto por los materiales y tradiciones populares, e influyó en la estética posterior dando alas a movimientos como el Art Nouveau y el Art Déco. Pero ese objetivo de hacer que el buen arte y el diseño fueran accesibles para todos no se ha logrado en su mayor parte. Dado el suministro de grandes cantidades y precios bajos de la industria, tener un producto "cocinado a fuego lento" por un diseñador o arquitecto se volvió viable solo para aquellos con mucho dinero.

Después de 160 años de industria a toda velocidad y tecnologías que han permitido la creación de plásticos y otros productos sintéticos que originalmente no existían en la naturaleza, el mundo es muy diferente. William Moris y sus compañeros se asustarían. La nanotecnología ha permitido hazañas inimaginables hace más de un siglo, y apuntan a cosas increíbles en el futuro.

Desde la década de 1940 hasta la década de 1980, el deslumbramiento con el producto sintético que permitió la elaboración de productos de utilidad con formas que nunca se pudieron obtener con madera, o con una ligereza que el peso del hierro no permitió, han fascinado y cautivado a la población, aportando aún más fuerza a la industria por la ya consolidada enfermedad del consumismo.

Finalmente, en la década de 1990, el comercio entre países fue abierto, estaba organizado, fuerte y el intercambio no solo de tecnología, sino también de cultura fue algo capaz de abrir los ojos del ser humano más modesto. A menudo se olvidaba o despreciaba su propia cultura, ensalzando la de otros países: ¡estos eran tiempos de marketing!
Imagen 2: Contenedores y residuos
Ya a mediados del siglo XX, el planeta se encontraba en un proceso increíblemente rápido de descomposición, y los desechos y contaminantes invadieron todos los espacios terrestres, las aguas de los ríos y los mares, y el aire se volvió insalubre en muchas partes del mundo. Poblaciones enteras comenzaron a vivir de los restos que dejó el consumismo desenfrenado de una masa cegada a su responsabilidad con el planeta. Las reglas del mercado estaban completamente reestructuradas, y los grandes gigantes de la industria absorbían a los pequeños o los obligaban a reinventarse. Surgían nuevos segmentos comerciales y otros desaparecían. La conciencia ecológica se desarrolla como una disciplina científica y ética.

Pero ya estamos en la segunda década del siglo XXI. ¿Y ahora qué sucede en nuestras mentes, nuestra percepción del valor, nuestra percepción estética?

En 1947, el historiador Fritz Saxl (1890-1948) dio una conferencia a estudiantes de la Universidad de Reading sobre sus estudios de iconografía, y dijo que "las imágenes que tienen un significado especial en su tiempo y lugar, una vez creadas, ejercen un poder magnético de atracción sobre otras ideas en su esfera que puede ser repentinamente olvidado y recordado nuevamente después de siglos de olvido ".
Pues esto es exactamente lo que Saxl dijo que creo que sucede en nuestro momento presente. Así que creo que estamos viviendo un nuevo movimiento de Artes y Oficios, pero con todas magia novedosa de un mundo que ya no puede revertir ciertos aspectos tecnológicos que son parte de la cultura y la experiencia estética acumulada.
Tras pasar 160 años del pensamiento de William Moris y sus compañeros sobre la importancia de rescatar el aspecto más artesanal y auténtico de la cultura de cada región, el contacto con lo natural ha vuelto a las mentes de muchos arquitectos, diseñadores, pintores y artesanos de todo tipo.
Vemos desde grandes empresas hasta profesionales independientes solitarios dedicados a una producción que involucra a su cliente en una atmósfera que le brinda con el placer del producto desarrollado de manera artesanal, diseñado especialmente para él y que le da la sensación de contacto con lo natural, con su propio origen, valorando las tradiciones de su cultura. Citaré un ejemplo nacional y otros de Brasil.

Como ejemplo de grande empresa, tenemos la brasileña Natura. Su principal estrategia de marketing es diseñar productos de belleza sostenibles. Es decir, que en la cadena de producción, desde la obtención de la materia prima que valora la naturaleza local (especialmente de la Amazonía brasileña - castañas, açaí, pitanga, etc.), a través de las condiciones de contratación de la fuerza laboral compuesta por personas que ya han recolectado o procesado esos productos, hasta la fabricación, distribución y disposición de los productos, haya el cuidado con el medio ambiente, responsabilidad social y distribución justa de los ingresos. Hoy, los ricos y los no ricos pueden y quieren comprar sus productos.
El llamado para su nueva fragancia dice lo siguiente: “El proceso de producción de Ekos Alma es totalmente diferente. La "priprioca" se envejeció en madera amazónica durante un año, lo que aporta características olfativas diferenciadas con cada cosecha ”. Es una forma de llevar artesanías a la gran masa de personas. Creo que esta compañía logró lo que William Morris quería.
Imagen 3: Natura
En el área de producción de muebles, la empresa FORMUS de Santa Catarina, Brasil, dirigida por la arquitecta Cláudia Silvestre, ha apostado durante mucho tiempo por su eslogan "muebles + arte". También hace las siguientes llamadas a la filosofía de la empresa, tal como se lee en su sitio web: "La casa es un nido. ¡Rediseñamos la lógica industrial! Modelo de organización híbrida: artesanía + industria | Trabajo colaborativo, estado del arte en diseño | fablab industrial | autoría | Productos relevantes en contenido e historia ". Es decir, es una carta de intenciones que deja en claro que los productos finales de la compañía, aunque contienen partes que son el resultado de la producción a gran escala, contienen una parte importante del proceso que es artesanal y personalizada para el cliente. Es la necesidad de la presencia del trabajo artesanal, que es el único que realmente puede dar ese aire de exclusividad.
Imagen 4: Formus
La empresa española GAN tiene un segmento de alfombras artesanales, para lo cual sus diseñadores crean pensando en usar materia prima y artesanía especializada, produciendo las alfombras donde viven los trabajadores para no tener que sacarlas de su contexto ; y así la empresa no se convierte en una copiadora de patrones y estilos de otras culturas. También producen con colectivos, como las cooperativas de mujeres artesanas.
En su sitio web, dicen: "GAN es artesanía y diseño. GAN es una marca firmemente arraigada en diseño y basada en productos hechos a mano. Todos nuestros productos están hechos en India por artesanos expertos que solo usan fibras naturales: algodón, lino, yute, seda y lana. El valor de lo que está al alcance de la mano, lentamente, pieza a pieza, es lo que nos distingue y nos define ".
Di una charla sobre el mercado de alfombras y usé GAN como caso de estudio. Puedes ver el video de conversación aquí: https://www.youtube.com/watch?v=e71JZxkvaRs
Imagen 5: GAN Alfombras
Y de las grandes y medianas empresas, podemos pasar al pequeño artesano, el que desarrolla su trabajo solo, a veces al consumidor directo, a veces para grandes empresas a encargo.
La ilustradora Águeda Horn trabaja para la gran empresa Folha de São Paulo, en Brasil, produciendo obras en tela, que incluyen costura y collage. La presencia del trabajo informático ya es una constante en nuestras vidas, y estamos casi acostumbrados. El regreso a un tipo de trabajo tan ingenuo pero meticuloso y creativo que utiliza materiales que están disponibles para cualquiera nos pone en la boca el gusto por lo más natural, por lo original, nos recuerda a las nuestras raíces, y luego nos sentimos otra vez pisando en tierra firme (no virtual).
Imagen 6: Trabajos de Águeda Horn.
Carlos Meira produce carteles y todo tipo de publicidad en papel. Se llama escultura en papel. Solo con papel, tijeras, pegamento y pintura, crea imágenes realistas o estilizadas para empresas y grupos grandes, con una calidad que solo la mano humana podría dar a materiales tan delicados como el papel. ¿Y por qué las grandes empresas que pueden permitirse el trabajo de alta tecnología deciden contratar a un artesano que trabaje con un tiempo de confección mínimo e inevitable y que solo puede producir uno a la vez? ¿No crees también que hay algo que nos atrae continuamente a nuestros orígenes como un poder magnético irresistible, como dijo Fritz Saxl?
Imagen 7: Trabajos de Carlos Meira
El trabajo artesanal trae consigo la idea de que "fue hecho para mí". Rescata orígenes, recupera nuestra identidad y nos acerca a lo más humano, lo táctil, los aromas, colores y sabores que ofrece la naturaleza. Y hay personas que lideran compañías o ellos mismos y que están preocupados con eso, al igual que William Morris a mediados del siglo XIX.

Así que creo que estamos viviendo un segundo movimiento de Artes y Oficios "al estilo" del siglo XXI. No despreciamos la tecnología, lo apreciamos. Pero extrañamos algo más que no proviene de las máquinas. Siempre tendremos nuestra visión estética, desde las cuevas que ya decoramos nuestro entorno.

Este es el siglo en que vivimos, y es bueno que no hayamos olvidado el lado bueno del pasado. Hemos podido repensarlo, reinventarlo y adaptar nuestras primeras necesidades a las demandas del presente. Y creo que este es nuestro nuevo momento para valorar la individualidad, sin el fantasma de la exclusión, por el contrario, apoyando a los colectivos que rescatan la pureza y la naturalidad de los sentidos humanos.


Fuente de imágenes y citas:

Origem das imagens e citações:
https://galeriasdeartebarcelona.com/arts-and-crafts/
https://freeimages.com.es
https://www.natura.com.br/
http://formus.com.br/
https://www.gan-rugs.com/es/gan-handmade/
http://aguihorn.blogspot.com/
https://www.carlosmeira.com/
Y también: DEMPSEY, Amy. Estilos, escolas e movimentos. São Paulo: Cosac & Naify, 2003.

domingo, 21 de julio de 2019

Portada del libro
El título de ese artículo y las imágenes, están en portugués. Se trata del libro de mi autoría "Fundamentos da estética em design de interiores", lanzado pela Editorial MSPublishers este mes de julio. Ojalá, en poco tiempo, pueda lanzarlo en español también.

El libro trata de detallar los aspectos imprescindibles a considerarse en la creación de un concepto estético para un proyecto de diseño de interiores y decoración. Para ello, es necesario entrenar la mirada para "ver, reconocer y comprender" los elementos visuales. A lo largo del libro, voy enseñando como se da ese proceso, y las implicaciones sensoriales y psicológicas sobre el ser humano, que las decisiones compositivas conllevan.

Contraportada que lleva parte del prefacio escrito por el Catedrático Doctor de la Universidad del Estado de Santa Catarina, UDESC - Célio Teodorico, que también es un renombrado diseñador brasileño.

Desde la elección entre una mesa redonda o cuadrada, la posición de algunos objetos, la opción por determinados colores y sus tonos, todo lo que elegimos para un espacio interior tendrá consecuencias sobre la percepción del que va usar aquel espacio.

El libro aborda algunos conceptos ya muy trabajados en algunas otras áreas del diseño, como las teorías de la Gestalt. Pero, hasta el momento, yo no he encontrado libros que hicieron una aplicación tan práctica al diseño de interiores, involucrando todos los elementos que hacen parte de la decoración.
Ejemplo de página interior del libro.
Ejemplo de página interior del libro.

Además, hay una teoría por mí desarrollada en 2008, en la ocasión en que preparaba un curso para todos los empleados de una gran empresa del ramo de muebles modulares, FORMUS, en Santa Catarina, Brasil. Yo tenía el reto de enseñar a sus vendedores, diseñadores y otros del equipo administrativo, a comprender las necesidades subjetivas de sus clientes. Pero los testes usados para ello, hasta entonces, parecían muy rasos, muy poco eficientes, llevando al retrabajo una gran cantidad de proyectos. Eso también dificultaba la empresa a crear un abanico de productos más reducido, pero que fuera al encuentro del gusto de la mayoría de sus clientes en potencial.

Así surgieron los PBPE = Parâmetros Básicas de Preferência Estética (escribo aqui en portugués, pues es casi igual al castellano). Son referencias estéticas las cuales todas las personas comparten. Al total son 8, representadas en parejas de sentido opuesto, por ejemplo, una de las parejas, armonía y contraste. Es decir, todas las personas tienen un perfil, un gusto, que les lleva a gustar de ambientes en donde predomine más la armonía entre sus elementos, o el contraste entre ellos.

Para descubrir los PBPE, propongo una serie de testes usando paneles semánticos. A continuación, la interpretación de los mismos.  Pero eso ya es la última etapa del libro. Para llegar hasta allí, sigues un camino de entrenamiento de la mirada, y comprensión de los aspectos psicológicos que cada elemento conlleva.

También propongo de manera innovadora, una clasificación de los estilos de la decoración de interiores. Pues en ese mundo lleno de opciones, de rótulos, de experiencias, de consumismo, se ha olvidado el origen de los términos adecuados para hacer la lectura de un estilo. Así, resumo todos los estilos en 3 categorías que engloban varios términos distintos.

Ejemplo de página interior del libro.
Ejemplo de página interior del libro.

Este libro es el resultado de mi experiencia profesional como arquitecta y como docente de cursos de diseño de interiores, decoración y artes desde 1992. Vengo aplicando los testes para el reconocimiento de los PBPE y de los estilos del cliente, usando una actividad en el aula con mis alumnos. Y sin que uno tuviera la oportunidad de hablar con el otro, descubren con una proximidad de 90% de acierto el gusto del compañero. He repetido ese test con más de 1.000 personas.

Ejemplo de página interior del libro.

Así que me siento segura, después de 3 años trabajando en ese libro, para lanzarlo al mercado, creyendo que podrá contribuir mucho tanto para estudiantes como profesionales de esa área.

El libro podrá ser comprado pela amazon.com - pongo abajo el enlace. Puedes elegir la moneda con la cual quieres pagar.

Espero que podáis disfrutar de la lectura del libro, 100% ilustrado, y escrito con un lenguaje accesible, a pesar de técnica. BUENA LECTURA!

Enlace para Amazon: Libro Fundamentos da Estetica em Design de Interiores

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